會田誠、奈良美智、村上隆、宮島達男、森村泰昌、矢延憲司、小澤剛…
日本國立新美術館與香港M+美術館聯合策展，完整解構日本當代藝術。
矢延憲司1997 年的作品，時常在作品中構築核爆後的頹圮世界，用以警 告世人對於核子輻射的重視。日本是全球唯一被美國用核彈攻擊過的國家， 受到核彈的傷害將近一世紀，所以他作品中常會出現氧氣罩防護服，以一種 警世的方式告訴大眾。
奈良美智的作品當然會在這個展覽中出現。
這趟東京之行，我的第一站不是表參道，也不是銀座，而是直奔國立新美術館。不只是因為那裡的下午茶實在誘人（說實話，也有這一點原因），而是因為最近他們與香港 M+ 美術館聯合策劃的展覽——「現實的稜鏡：1989–2010 日本當代藝術」。走進展廳的那一刻，我心裡浮出一個念頭：與其說這是「稜鏡」，不如說是**「萬花筒」**。不同的顏色、形狀、記憶，在時代轉動下不斷重組。
1989 年，大約是我高中生涯的的開始；對日本而言，則是從昭和走向平成的轉折點。冷戰結束、柏林圍牆倒塌、日本泡沫經濟的巔峰，三菱地所買下紐約洛克斐勒大廈，日本社會瀰漫著一種難以言喻的興奮與未來感。
電視上是新偶像、新動畫、新廣告語；街頭巷尾流行的流行文化與設計語彙，深深改寫了亞洲美學的樣貌。這些文化碎片，如今都成了展覽中一件件作品的背景音。
展覽從三個主題視角審視這段時期:
第一部分「過去是幻影」探討了藝術家如何持續關注戰爭主題及其對社會、文化和個人心理的影響。
第二部分「自我與他人」則著重探討認同、性別和傳統階級等議題的藝術實踐，展現了日本文化如何促進人際交流。
第三部分「社區的承諾」展出的項目旨在透過與現有社區互動或創建新社群，探索建立全新關係的可能性。
整體來說，展覽並不是在追求「日本藝術的代表性」，而是透過藝術家的多重視角，呈現一段社會如何面對自身轉型的過程。策展架構巧妙地從個人記憶、社會集體經驗到國際對話層層推進。這也讓我重新思考，所謂「日本當代藝術」其實並非一種風格，而是演化或進化的過程。
展場中看著宮島達男的數位裝置，一閃一滅的 LED 數字如同生命的更迭，也像時間的脈動。我在那個黑暗的空間停留了很久。那一刻我突然意識到，這些藝術家面對的課題——身份、記憶、全球化焦慮——其實也是我們這一代人共有的經驗。1989 到 2010，不只是日本藝術的變遷，更有著國際性共通的語彙。
走出展廳時，我在逛了中庭的商品區，說什麼也要將這次展覽的書買回家，雖然小貴還會增加行李重量，但我覺得值得。然後倒錐形體上的餐廳點了一分我期待的下午茶套餐，感覺非常的圓滿。望著底下人群與樹影交錯，我覺得藝術之所以迷人，不在於它多前衛或多宏大，而在於它能讓我們在變動的世界裡，找到一個短暫但真實的自我位置。
宮島達男 1990 年作品，用數字 1-9的變化象徵生命，而 0 就熄滅代表死亡，在偌大的黑展間中看到一個數字熄 滅了，就代表一個死亡，你會發現你不希望看到數字熄 滅，卻不得不去面對的無奈感。
會田誠1995 年作品，他作品一直是我個人非常 喜愛的，總是會給予我思想上的衝擊。
米田知子2010 年的攝影作品系 列之一，拍攝地點在台北市的青田街，是日本前首相的女兒住所，國民黨接 收後轉為一位將軍的家，在台日的近代歷史中時常會有這樣的交疊，這張照 片是整個系列中我個人最有感的，跟作者一樣看到房舍因主人而轉變，日式 房舍中看到加裝很突兀的酒櫃與吧檯，美學的衝突或是歷史背景的衝突就會 很真實的反應在住家裝潢上。
柳幸典1991 年的作品，在透明壓克力盒 中放彩色的沙，用各國的國旗代表世界，再用塑膠管線連結起來。有趣的是 這就是養螞蟻的生態盒，重點是能看到我們中華民國的國旗。
這是村上 隆1991 年的作品，與現在的超扁平理念不一樣，非常特別。
這次日本國立新美術館與香港M+ 美術館聯合策展，所以編撰的書也融合兩地策展人的觀點，值得收藏。
我在國立 新美術館的中庭攤位買到這次展覽的書，展館本身就是一個藝術品，而我們 行走在其中，就像是藝術的一部分。
『現實的稜鏡： 1989-2010 年日本的藝術創作』
● 7-22-2 六本木港區 東京 106-8558 日本 （國立新美術館）
開： 2025 年 9 月 3 日～ 12 月 8 日
成人 ¥2000、大學生 ¥1000、高中生 ¥500
Tony 東尼桑
手拿是商學院學位、在IT產業歷練的社畜，卻因藝術收藏的興趣投入當代藝術市場，搞藝博會、策展的斜槓中年。
喜愛一切美好事物，但朋友數精簡猶如家中的家具數量，左右腦平衡，理性與感性兼具的怪奇魔羯座。
